BEOWULF

Después de leerme el magnífico BEOWULF de Santiago García y David Rubin, me vi obligado a hacer mi versión del personaje. Sin más bobadas, ¡aquí mi contribución!

 

No voy a extenderme en críticas y reseñas porque, aunque me guste escribir, lo mío no es analizar tebeos. lo mío es devorarlos, degustarlos y regurgitarlos.

Debía hacer un dibujo. Era un "impositivo moral". Ya me entiendes.
Y los autores, muy majos ellos, (al menos parecen majos en twitter, jejeje) han dado la oportunidad de hacerles llegar nuestras "obritas" a modo de concurso.

A mi, personalmente, me encantó una página del cómic en la que, solo con 2 viñetas, se consigue reflejar tanto el paso del tiempo como la evolución a la madurez del personaje.
En la primera viñeta, con colores cálidos, sobre una alfombra roja, (¿quizás el rastro de sangre necesario para llegar hasta allí?) Beowulf se sienta en un trono (¿por primera vez?) y murmura: "SE ACABARON LOS MOSTRUOS".
en la segunda viñeta con colores fríos, Beowulf parece derrotado en un trono mucho más regio y recita: "LOS MONSTRUOS NUNCA SE ACABAN".

La vida y el tiempo han puesto al personaje en su lugar. Han sosegado su caracter. Le han convertido en un "piñón" más de las ruedas de la jerarquía. Con la pérdida de la juventud, la bravuconería se desvanece. O así lo quise entender yo.

Y... ese momento me hizo recordar ese pasaje de Hamlet (mal recordado por todo el mundo) en el que el propio Hamlet sujeta la calavera de un conocido fallecido y dice eso de: "Yorik, mi triste Yorik, por aqui te colgaban los labios..." (lo recito de memoria).

¡Ahí estaba mi inspiración! ¡A dibujar!

Y como "la magia" de dibujar (y pintar) por ordenador (como hago yo últimamente), consiste en emplear capas... el que quiera seguir leyendome podrá ver todas las que componen esta ilustración.

Esta vez pensé que, lo más prudente, era realizar el fondo por un lado y la figura por otro. Por eso de que es una "Splash page" y demás. La primera capa del fondo incluía únicamente las lineas de definición de la geometría. Para acentuar las fugas perspectivas definí todas las juntas de las piedras de las paredes del castillo tras el personaje.

El entorno debía ser medieval (vikingo, celta...) y exigía pedruscos (me da igual si la mampostería es concertada o no). Así que un poco de volumen a base de "rayones", respetando las áreas de luz, no le venía mal.

Una vez colocada la capa de sombras... ¡el color es tarea fácil! (este es el punto en el que SIEMPRE deseo abandonar el dibujo).

Y es que, con los volúmenes definidos, colorear "sin pensar" (como yo hago) es fácil. Lo dificil es lo que hace el señor Rubin (y muchos otros) tratando al color como una herramienta de composición y expresión.

¿Y la figura de mi Beowulf?

Las lineas de definición del personaje. Por fin aparece la viñeta inferior. Ideé la composición en 2 viñetas desade un principio. No sabía cómo expresar el sentimiento del presonaje sin acercarme a su rostro... ni cómo expresar su soledad sin distanciarme de él.

Al definir los volúmenes y la ubicación de las sombras mediante trazos en capa separada, puedo despues dar color a esos mismos trazos para así fundirlas con la capa de "pintura". La verdad es que me gusta hacerle "Bullying" a la capa de tinta.

Al igual que en el fondo, he usado una capa semi transparente para evidenciar áreas de sombra además de las que tiene la capa de color y la que aportan los tramados. 
Una cosa que aprendí hace mucho es que: SIN CONTRASTE, el dibujo carece de vida.

Y, pensando en aumentar el contraste, una vez realizada la capa de color por debajo de las de tintas y la de sombra, he creado una capa de luz "amarillenta" sobre todas.

El resultado, una vez procesado, reprocesado y requeteprocesado... lo podeis volver a revisar al comienzo del post.

-Sí, he evitado emplear los tonos fríos de la escena equivalente de la novela gráfica a posta. Mi Beowulf se encuentra arropado y no derrotado. Melancólico, pero seguro en su puesto.

-Sí, a lo largo de este texto de dicho "tebeo", "cómic" y "novela gráfica"... porque me da igual.

-Y sí, los que me conoceis sabeis que me he basado en una persona de verdad para mi Beowulf... por que siempre lo hago. ¿reconoceis quién?

PORTADA

Bueno, La verdad es que hace ya algo así como un mes que terminé las 120 páginas que componen la historia que empecé allá por finales de agosto de 2.012... (todo lo que hice desde abril lo tuve que repetir) y, actualmente, me estoy dedicando a ordenar, eliminar fallos, buscar discordancias y crear diálogos... así que os he tenido un poco abandonados.

¡Venga!, ¡Que no se diga! ¡Voy a colgar algo!

Algo rápido, algo sencillo, sin proceso... ¿qué puede ser?

¿Qué os parece la portada que pensé para la obra?  (¿y que no tiene por qué ser definitiva?)

¡Hecho!

AGUADAS, TINTAS Y ACUARELA (2 de 2)

En la anterior entrada mencioné unas cuantas "normas" que cualquier buen artista "recomienda" para llevar un dibujo realizado mediante la técnica de la aguada a buen puerto... pero dejé una por explicar.

La última "norma" dice que, si vas a aplicar varias capas de color, des primero la más clara o menos saturada y, de ahí, continúes a la más oscura; y que para oscurecer un color emplees otros de su misma gama (o, incluso complementarios) pero nunca el color negro.

Yo, desde mi punto de vista, opino que buscar SIEMPRE colores vibrantes mediante acuarela sólo porque se pueden conseguir no es una buena opción ya que, en el dibujo y la pintura, todas las limitaciones son malas.

Además, sólo hay que darse un paseo por el mundo real para darse cuenta de que casi todo lo que ves está cubierto de colores apagados y con gran cantidad de gris... mientras que los colores de "alta densidad" son extremadamente difíciles de encontrar fuera de las páginas de un tebeo.

Por eso empleo, muchas veces, tinta negra (o quink o, incluso, acuarela gris) y sobre todo cuando pretendo hacer algo realista.

Y, muchas veces, empiezo con el color gris (o negro) y, después, aplico las capas de color.
Ya sabeis, eso que no se puede hacer porque el color gris "mata a todos los demás colores".

Todas las fotos que vais a ver (a excepción de una) han sido sacadas con el movil (cuando me "meto" en un dibujo me resulta "insultante" detenerme a coger una buena cámara, buscar la iluminación adecuada... )

PASO 1: El boceto.

Hay que saber valorar en todo momento los medios a nuestro alcance así como la finalidad del cuadro. No es lo mismo hacer un dibujo "para mi" en el que soy mi propio jurado... que hacer un retrato por encargo.

En este segundo caso contamos (muchas veces) con un rango limitado de fotos entre las que elegir y no siempre tienen la iluminación deseada o más adecuada... sobre todo cuando se trata de una sorpresa y no puedes andar pidiendo fotos con la excusa de "es que me gusta tu cara y quiero unas cuantas fotos tuyas para hacerme un altar en el cuarto de baño". Porque sonaría demente a la par que desesperado.

Si dibujo "para mi", es casi seguro que "suelte la mano" y me divierta con el boceto, obligándome (por ejemplo) a respetar unos tiempos sólo para forzarme... aunque eso obligue a cuidar menos el detalle.
Si se trata de un encargo, en cambio,  no tengo ningún pudor en emplear el truco de "cuadricular" la foto y la hoja de acuarela para "transferir" el boceto del original a la hoja mediante el método del "juego de barcos".

Esto es una práctica habitual y no le resta mérito a la composición final... aunque hace que la persona que te contrata (siempre) frunza el ceño. En parte es como si, por la cabeza del cliente, pasara un fugaz pensamiento: "así ya puedo hacerlo yo".

En concreto, la foto (esas que te regalan los fotógrafos junto con las de DNI tienen buen tamaño) es ampliada hasta DIN-A4 y cuadriculada cada 1,5cm (o cada 2cm si la amplias a DIN-A3). Despues hay que hacer "reglas de 3" y encajes matemáticos (llamados también "la cuenta de la vieja")  para encajar el retrato en la hoja de dibujo de manera que cada rostro no tenga más de 21 cm de alto.

Esta medida no es una regla que no se pueda romper, es una medida que he "experimentado" y que funciona en la gran mayoría de situaciones y distancias... y es que, muchas veces, no tienes acceso a la casa del cliente para comprobar la iluminación existente, el color de paredes y muebles o la distancia al cuadro desde el acceso al sitio.

Los murales y los experimentos los dejo para mis dibujos, mi ocio o para cuando se me da libertad total. 

PASO 2: definición.

En hojas tan rugosas como las de acuarela (y más en los lienzos)... y en trabajos en los que se tarde mucho tiempo, recomiendo "marcar" y definir bien las áreas que despues serán realmente oscuras y los contronos porque, creedme, en 2 días el lapiz del boceto va a desaparecer. Una vez más esto no es una norma, es un consejo a aplicar cuando vas a emplear muchas "capas" de agua y pintura.

Una vez estás seguro de que todo está en su sitio y que has definido cada punto singular que quieres recordar más adelante al pintar, ha llegado la hora de borrar las cuadrículas y coger el pincel. Para borrar las cuadrículas, si quieres ser puntilloso, existen unas "gomas de dibujar" similares en su funcionamiento a los "cutter" (sustituyendo la cuchilla por una goma de borrar).

Tranquilos, las cuadrículas que no se puedan borrar bien (por estar en medio del rostro) desaparecerán sólas arrastradas por el pincel a base de pintar sobre ellas. Lo mismo pasará con el lápiz en general. Para el boceto uso portaminas de 2mm y minas "bastante duras" (HB) mientras que para los óleos empleo minas 3B en portaminas de 5mm. Diferentes métodos a diferentes técnicas.

Si intentara hacer una composición "etérea" (con pocas "pátinas" de aguada) emplearía lápices más duros casi sin ejercer presión y pasaría por completo de este "paso 2".

PASO 3: ¡A pintar!

Lo normal, en este punto, es empezar a definir con el pincel. Con color.

A mi no me gusta hacer "pocillos" de color (cosa que he visto mucho en dibujos técnicos dedicados a la promoción arquitectónica) y, en cambio, mezclo los colores en cada momento sobre una paleta lisa de plástico.

Siempre empiezo definiendo los ojos (aunque siempre me cuestan más los labios) ya que si me salen bien los ojos... el resto del retrato sé que va a ir sobre ruedas.

En el caso concreto que ños ocupa, la foto que me servía de modelo tenía muy poca definición, por lo que toda la imagen era un cúmulo de manchas y borrones que, a cierta distancia, engañaban a la vista. Si la foto es "buena", los ojos se encuentran claramente definidos por los párpados y las pestañas y las córneas con círculos perfectos llenos de claro oscuros y brillos.

En este caso decidí empezar a "encontrar" las"texturas" de las caras con acuarela gris... para añadirles color después. Este método exige conocer hasta qué punto el color puede "lavar" al gris que se encuentra por debajo para no pasarte con los contrastes y cagarla. Claro está, para prever el comportamiento de la acuarela... he tenído que cagarla muchas veces en mi pasado.

Ya lo hemos comentado antes. "Eso no debe hacerse".

PASO 4: definición de texturas.

La fuente de luz en esta foto se encuentra tras las cabezas y, de hecho, detras de la cabeza del niño y no muy por encima, por lo que su pelo da sombra a casi toda la cara de la madre.

Si intentaba inventarme un nuevo foco de iluminación corría el riesgo de representar una imagen demasiado irreal que, al final, resultaría chocante a los ojos del espectador.

Si abusaba en cambio de los colores vivos de la acuarela corria el riesgo de "perder" de vista el resultado que buscaba al "emocionarme" con el paso intermedio... y es que, normalmente, en este punto del retrato, siempre deseo dejarlo y entregarlo (así, inacabado) porque me parece que es el momento de mayor "fuerza y expresividad".

Lo demás, hasta la aplicación del color, es una sucesión de capas de aguada de manera que cada capa nueva sirve para evidenciar si el contraste de lo realizado con anterioridad resulta adecuado o no.

Es muy recomendable descansar cada cierto tiempo no sólo para permitir que la hoja se seque... sino porque la acuarela pierde intensidad al poco tiempo de ser extendida y la sensación y el contraste que obtienes cuando se encuentra "húmeda" nos puede confundir.

Es necesario dejar "reposar" la hoja cada ciertas "veladuras" para poder contemplar el conjunto y comprobar el resultado parcial objetivamente. Por ejemplo, en la imagen anterior se puede ver cómo la mejilla de la mujer se encuentra igual de iluminada que su frente y que la punta de la nariz del niño... lo cual no corresponde con las sombras en la frente del niño y en la barbilla de su madre.

PASO 5: el color:

Veladura tras veladura de color la capa de gris va desapareciendo mezclada con los nuevos aportes.

La foto a la izquierda de este texto corresponde a una de las primeras veladuras de color

En seguida me di cuenta de que, para poder continuar valorando adecuadamente el resultado, debía añadir el contraste de las pupilas y el pelo con tinta negra (algo que no desapareciera con las capas de color) o el conjunto me iba a enviar "señales erroneas" hasta el último momento.

Sin este contraste, nunca podría valorar lo adecuado o no de la sombra allá donde se unen las dos caras.

El verdadero problema de un retrato como este y de mi empecinamiento en respetar "el gris que hay en el mundo" es la cantidad de capas que necesito, ya que saturo la hoja y necesito dejarla ventilando luego largos periodos de tiempo.

Además, al aplicar agua durante un tiempo sólo en el centro de la hoja, esta tiende a deformarse "empujando" y, al encontarse con el resto de la lámina, seca e "indeformable", tiende a arrugarse. Ya hemos hablado en la anterior entrada del blog de cómo evitar esto (en parte) humedeciendo y tensando la lámina mucho antes de empezar el cuadro. 

Eso si, una vez acabado (y fotografiado con una buena cámara en condiciones de iluminación adecuadas)... me siento preparado para decir que SI se puede aplicar acuarela negra bajo el resto de colores (e incluso tinta) si sabes predecir el resultado y jugar con ello.

Y es que la imagen que veis a la sobre estas palabras es, al final, acuarela pura (sin correcciones con ecoline ni lápices acuarelables) a la que le he aplicado tinta de rotring aguada en el cabello, la unión entre las dos caras y las pupilas.

OTRO EJEMPLO:

No siempre se trata de realizar algo realista, a veces la situación del encargo me permite experimentar tanto con técnicas como con colores.

Por ejemplo, junto a estas lineas he "desmenuzado" otro doble retrato que realicé como regalo... pero sin limitaciones.

Esta vez el boceto a lapiz es visible (e incluso la cuadrícula) en muchos sitios de la lámina.

Decidí adoptar un acabado "cómic" más divertido para el conjunto ya que la unión entre los dos rostros fue planteada, desde un principio, como algo "luminoso". Como un "big bang" desde el que "emergen" los rostros.

Así, y con esa idea en mente, las caras están defindas completamente con tintas de rotring y quink... y mediante una única "pátina" de pincel. 

Gracias a la reacción de la tinta quink a la lejía pude realizar los brillos "oxidados" entre los 2 rostros así como las "ondulaciones" y curvas bajo ellos que permiten "intuir" el límite de la melena de la chica.

Después, con los retratos terminados, y sin olvidar cuales son las áreas de mayor sombra y contraste, añadí (a lo salvaje) pinceladas de naranjas y amarillos pensando en el fondo "floreado" que se me ocurrió para la ocasión.

el fondo también ha sido realizado con tinta quink, acuarela (los mismos colores que en las caras) y tinta negra de rotring aguada para las sombras de las flores.

Una vez acabado decidí dar al conjunto un mayor toque tipo "ilustración de tebeo" aplicando ecoline blanco a los brillos de las lentes de las gafas, por ejemplo. Podeis notar la diferencia entre el "balnco ecoline" (ligéramente grisaceo y sosegado) resecto del "blanco lejía" (oxidado, amarillento y "sobre expuesto).

Creo que el siguiente retrato que haga "sólo para mi" voy a hacerlo completamente con rotuladores acuarelables de punta blanda... sólo para probar.

Eso si, no olvideis, ¡no se deben mezclar técnicas! (modo "ironía" on)

Muchas gracias a todos los que me han permitido mostrar mi trabajo en estas 2 entradas.

La siguiente: ¡óleo! (algún truco / consejo y todo lo que NO debe hacerse)

AGUADAS: TINTAS Y ACUARELA (1 de 2)

Durante el último mes he estado ocupado en un "nuevo" reto... aunque no sea nuevo para nada. La realización de un retrato mediante la técnica de la acuarela.

Y, ya puestos, he hecho lo que nunca antes: leer sobre el tema. Leer todo lo que los "grandes artistas" y teóricos han escrito, tabulado y recomendado al respecto. Y es que nunca les había hecho caso. Y sigo "sin hacerles caso"

Y he llegado a la conclusión de que no se aprende a pintar leyendo (cosa que ya sabía), porque a pintar se aprende pintando y la técnica se mejora a base de probar, hacer y nunca parar.
Y pintar es un continuo aprendizaje.

1._Lo primero que recomiendan es emplear "buenos materiales".

Esto incluye buenos pinceles, buenas hojas... y buenas acuarelas. Parece una perogruyada pero en la acuarela, la calidad de la pintura elegida (dentro de unos límites), así como la calidad del papel (si conoces su comportamiento), asegura colores más radiantes, vivos y agradables.

Y es que,  dejando aparte los encargos (que deben tener una vejez adecuada), el resto de obras de un pintor son todas "pruebas" cuyo valor es el de experimentar y aprender.

Por lo tanto, cuando busco experimentar, empleo (en cambio) acuarelas "Titán", pinceles de todo tipo y hojas que poco o nada tienen que ver con una buena acuarela... con el fin de  mejorar la técnica a base de enfrentarme a retos.

Por ejemplo, en el detalle de la aguada plasmado a la izquierda se puede ver perféctamente el "grano" de la hoja que, si bien ayuda a jugar con los efectos de corrosiones" y con el "pincel seco", hace que el resultado no sea realmente "cómodo" de ver.

2._ Otra cosa que se recomienda siempre es "tensar" la hoja de acuarela antes de usarla.

Esto se hace humedeciendo (incluso sumergiendo en agua) la hoja y estirándola después sobre una superficie impermeable o bastidor hasta que se seca. Este proceso "se supone" que evita que la hoja se deforme al aplicarle la pintura diluida.

Yo, personalmente, prefiero usar hojas de gran gramaje y pequeño tamaño (por lo que la deformación es ínfima) para asegurarme de poder "saturarlas" si así lo deseo o si el dibujo me lo pide sin haberlas mojado previamente.

3._ Una cosa en la que todos los pintores coinciden es en que el color blanco "no existe" en la acuarela y que DEBE hacerse realizando "reservas" en la hoja que no reciban pintura.

4._ Muchos también dicen que NUNCA se debe emplear el color negro (aunque no hay consenso) ya que "mata" a los colores vivos al añadir demasiado contraste al conjunto.

Yo, personalmente, discrepo en lo que a los colores blanco y negro se refiere.

Para el blanco existe un producto increíblemente "acuarelable" llamado "ecoline" que reacciona con el agua, la acuarela y con ciertas tintas creando unos efectos de corrosión espectaculares.

Soy consciente de que el blanco obtenido por ausencia de pintura es extremadamente vistoso y que el uso de ecoline como "tipex" es un error que salta a la vista, pero no tengo ningún problema en emplear este color blanco como una herramienta más cuando la composición así lo demanda.

Otro ejemplo: en el personaje a la derecha de estas palabras he empleado el ecoline para crear el fondo y definir la figura. Lo esparcí con un trapo (y con el dedo) sobre una capa de tinta negra de rotring.

En cuanto al color negro, ¿qué queréis que os diga? las hojas de acuarela no son negras y, en cambio, es un color que existe en la naturaleza.

Eso si, lo cierto es que en una acuarela nunca empleo la acuarela negra para el color negro. Para eso están las tintas y las lacas.

Después de un montón de dibujos y pinturas he desarrollado una enfermiza predilección por la tinta de recargar estilógrafos de la marca "rotring" por encima de cualquier otra ya que sus aguadas tienen un cierto toque ocre / tostado que resulta muy cálido.

5._ Los entendidos también coinciden en que no se deben mezclar técnicas.

Lo cual apoya todo lo anterior de no emplear blanco ni negro... ya que una acuarela puede llegar a tener una fuerza que no precisa de ayuda de otras técnicas... pero (si lo haces bien) no debes tener miedo de apoyarte en otros materiales para realzar tu dibujo.

En la imagen superior, hecha originalmente en acuarela, realicé todos los contrastes con tinta negra y el fondo con lacas rojas y amarillas.

En el detalle a la izquierda se pueden apreciar las sucesivas capas de pigmento (en el hombro, por ejemplo) la laca roja (en el espejo) la laca amarilla opaca (en el pelo) y el contraste que confiere la tinta negra a todo el conjunto.

Otro material con un comportamiento casi "mágico" (muy a tener en cuenta) que aporta unas corrosiones espectaculares y que reacciona con el agua incluso una vez aplicado es la tinta "Quink" para recargar plumas con émbolo.

Esta tinta (existe en 2 colores: azul y negro azulado) es extremádamente fluida y reacciona tanto con el agua como con la lejía.

Con agua, la tinta desprende pigmento incluso días después de haber sido aplicada y aporta unas  graduaciones y claro oscuros muy sosegados.

Con la lejía (si, lo habéis leído bien, lejía amarilla de la mala... no de la densa) la tinta quink desaparece. Si acaba de ser aplicada puede llegar a desaparecer del todo y, si lleva tiempo aplicada o es muy opaca, se oxida aportando colores "llameantes" y vistosos.

En el detalle (a la derecha) podéis ver el efecto de la lejía en la chaqueta (manchada en un principio con una pluma cargada con tinta quink y "acuarelada" después).

Por lo tanto, y como resumen: todos estos materiales pueden mezclarse incluso con  los lápices de colores, pasteles, rotuladores y todo cuanto imaginéis; aunque la obra dejará de ser una acuarela "pura"

Si os decidís por mezclar, los resultados pueden ser siempre espectaculares; aunque es muy posible que, experimentando, llegue un momento en el que deseéis "volver atrás" pensando eso de: "vaya, estaba bien hace una hora, no debí haber hecho esto último".

6._ Y es que lo REALMENTE CIERTO de las técnicas de la aguada es que NO SE PUEDEN RETOCAR casi nunca.

Si decides mezclar técnicas debe ser por una de estas dos razones:

• Estas experimentando para conocer el comportamiento de cada técnica

• Las conoces tan bien que puedes predecir el resultado final.

Para ejemplificar todo lo que he dicho hasta ahora, a la izquierda se encuentra una ilustración de la que ya he colocado un detalle.

Realicé a la chica en tinta quink tratándola como acuarela (sin boceto anterior).

Después apliqué lejía para descubrir detalles en el pelo y "hacer desaparecer" parte del cuerpo dando al conjunto un carácter etéreo.

Y, por último, añadí color al entorno mediante corrosiones en acuarela.

Para terminar, "cuelgo" a continuación una de las más "salvajes" mezclas de materiales...

Y es que me dieron "libertad total" para el encargo. (Gracias a la mecenas / promotora)

Realizado aplicando acuarela y tinta quink a la vez (totalmente desaconsejable ya que la tinta es azulada y desvirtúa todo color "vivo" con el que se mezcle)...

Después acuarela en tonos azules para el entorno de la figura... 
El fondo negro mediante tinta rotring...
las corrosiones y brillos blancos con lejía...
retocadas con ecoline a modo de témpera...
Contrastes mediante aguada de tinta de rotring (sobre quink y acuarela, nunca sobre ecoline)...

Y el color y los límites del cuerpo ¡con lápices de colores!

Por favor, no tengais en cuenta los valores "composición", "equilibrio"... ya que todos estos dibujos tienen la finalidad que tienen, y es la de mostrar unas técnicas.

En el siguiente post hablaré en concreto de los retratos a acuarela y de la última norma que se recomienda para hacer una buena acuarela... y que no he mencionado.

 

¿NUEVO COMIC?

No digo que lo vaya a hacer...

Ni que vaya a ser este si lo hago...

Pero si hago otro cómic, y si es el que tengo en mente,

la portada debería ser algo como esto:

1990. Copiando de dos grandes artistas

Allá por 1990 (calculado a ojo) estaba yo enfrascado en la aplicación de la acuarela a la ilustración (y no sólo a la tradicional)...

Y perdía mucho tiempo en hacer dibujitos copiando a mis, por aquel entonces, ídolos.

No me molestaba en pensar en "el peso" de la ilustración" dentro de la "viñeta", ni en el material que, originalmente, se debió usar para realizar el dibujo que copiaba. Simplemente copiaba e intentaba que el resultado fuera similar al primigenio (y digno) empleando mis recursos... aunque fuera de modo no convencional.

Por ejemplo: usando la acuarela como si fuera témpera sobre una capa de tinta (como en esta copia de una imagen del gran Simon Bisley que no recuerdo de donde salió)...

O mezclando estiógrafo, tinta a pincel, ecoline, acuarelas y témperas para esta escena copiada del Elektra Assasin dibujada originalmente por bill Sienkiewicz.

La verdad es que estas incursiones en el terreno del dibujo y la pintura sin normas me ayudó a perder el miedo a los materiales y a mejorar la confianza en mis manos.

Por favor, no juzgeis la composición y todas esas cosas. Sólo copiaba y fue hace 23 años!.

PAGINA 28 (2ª PARTE)

Con esta página acaba lo que enfoqué como la "segunda parte del trabajo". Como ya he dicho en algún momento (no es secreto ni sería spoiler) el prota mata a Jesus... y, por eso, va a ir al infierno.

Y el infierno lo va a desatar el personaje que ha matado a Pedro. El personaje misterioso que sigue a nuestro protagonista...

El fondo, al igual que en las páginas anteriores, procede de un render de un callejón montado a partir de geometrías de 3D Warehouse.
Pensé que era adecuado que el protagonista estuvieras algo "fuera" de la viñeta para ejemplificar que, para él, la acción se había acabado... y que se iba.

La "fuga" perspectiva de la calle apunta, en cambio, a un nuevo personaje que hace de contrapeso a la imagen.

Se puede apreciar la diferencia entre los grises originales (esta vez bastante más currados) y los grises definitivos, más tenebristas y borrosos.

En cuanto al color original y el final, la inclusión del amarillo resalta sl protagonista (pantalón azulado abajo a la derecha) y la nueva figura (cielo azulado arriba a la izquierda).

PAGINA 27 (2ª PARTE)

Me estoy metiendo prisa... porque ya he dibujado por completo lo que ideé como tercera parte (de tres)... porque ya he realizado 15 de las 20 páginas que necesitaba para darle un final digno (tarea que he denominado "cuarta parte")...

Y me asquea no haber terminado de colgar, en cambio, la segunda parte.

A una página para terminar de colgar la "segunda parte"... estos son el entorno y la tinta.

Esta página explica "qué ha pasado con Pedro", ese "mandingo" lugarteniente de Jesus que ha permitido que el prota suba a la oficina del malo malote para matarlo...

El entorno está realizado mediante renders de un callejon montado con "partes" sacadas de 3D Warehouse.

Como en las páginas precedentes, he confiado las sombras del entorno a la capa de grises definiéndolo, únicamente, mediante lineas... y dejando las "masas" de negro para los personajes.

Las imágenes precedentes corresponden con el gris original (izquierda) y con la página terminada (derecha).

Se puede ver que la página terminada es más oscura, posee un mayor contraste... y tiene efectos como la sangre.

 La diferencia entre la imagen a color original y la página final procede de aplicar la tabla de colores que he decidido para cada acción / personaje.

Sigo pensando que esta uniformidad de colores es un acierto ya que el fondo resulta más repugnante al eliminar las áreas grises.

PAGINA 26 (2ª PARTE)

Y, como empezó, se acabó. nuestro protagonista vino con la idea de matar a Jesus, lo hizo sin mediar palabra... y se va.

La tinta es sencilla y contiene los mismos elementos que la página anterior al disparo / splash-page: protagonista, unos malosos... y la puerta, simbolo de inicio y fin del acto.
 

Igual que en las 2 páginas anteriores, la variación entre gris original y final se limita al tratamiento de los fondos que, por otro lado, son inexistentes.

Y la difrencia entre el color original y el final radica en la aplicación de la paleta de colores definida para el prota y para Jesus.

Recordemos: